이고르 스트라빈스키는 러시아 태생의 작곡가이자 지휘자로 20세기의 가장 중요하고 영향력 있는 작곡가 중 한 명으로 널리 알려져 있습니다.
그의 경력은 60년에 달했고 그의 음악은 다양한 스타일과 시대를 거쳐 발전했습니다.
Stravinsky의 작품은 불규칙한 리듬, 복잡한 화성 및 틀에 얽매이지 않는 음조 구조를 사용하는 것으로 유명합니다.
우리는 스트라빈스키 작품의 세 가지 주요 시기인 러시아 시대, 신고전주의 시대 및 연속 시대를 살펴볼 것입니다.
러시아 시대(1907-1919)
러시아 시대의 스트라빈스키의 작품은 특히 그가 성장한 러시아 지역의 민속 음악의 영향을 받았습니다.
이 시기의 가장 유명한 작품은 Sergei Diaghilev의 Ballets Russes를 위해 작곡된 The Firebird입니다.
Firebird는 러시아 동화를 바탕으로 한 발레입니다.
Stravinsky의 러시아 민요, 하모니 및 리듬 사용은 작품 전체에서 분명합니다.
예를 들어 유명한 ‘극악무도’의 반복적이고 추진력 있는 리듬은 러시아 민속무용을 연상시키며, 8음계의 사용과 목관악기와 타악기의 두드러진 사용도 러시아 음악의 풍미를 더한다.
이 시기의 또 다른 주목할만한 작품은 Diaghilev의 Ballets Russes를 위해 작곡된 Petrushka입니다.
Petrushka의 이야기는 러시아 박람회를 배경으로 하며 Stravinsky의 음악은 포크 멜로디와 리듬을 사용하여 이러한 설정을 반영합니다.
Petrushka에서 가장 기억에 남는 부분 중 하나는 “Russian Dance”로, 클라리넷에서 연주되는 중독성 있는 멜로디와 현악기 및 타악기의 실신 리듬이 함께 제공됩니다.
Stravinsky는 또한 불협화음 하모니를 사용하여 그의 작품 전반에 걸쳐 특징인 그의 음악에 긴장감과 흥분을 만듭니다.
봄의 제전은 아마도 스트라빈스키의 러시아 시대의 가장 유명한 작품일 것입니다.
1913년 초연 당시 파격적인 리듬과 불협화음, 폭력적인 안무로 파문을 일으켰다.
봄의 제전의 음악은 러시아 민요에서 영감을 받았지만 스트라빈스키는 이러한 멜로디를 왜곡하고 특이한 리듬과 불협화음을 결합하여 당시로서는 혁명적이었던 원시적이고 야만적인 사운드를 만들어냈습니다.
예를 들어 오프닝 바순 솔로는 리투아니아 민속 선율을 기반으로 하지만 불규칙한 박자로 연주되어 예측 불가능성과 긴장감을 자아낸다.
봄의 제전은 이제 20세기 음악의 걸작이자 스트라빈스키의 경력에서 결정적인 작품으로 간주됩니다.
Stravinsky의 생애에서 러시아 시대는 전통적인 클래식 음악 관습에 도전하는 획기적인 작품을 만들기 위해 러시아 민속 멜로디, 리듬 및 하모니를 사용하는 것으로 특징지어집니다.
그의 음악은 그의 삶과 문화 유산을 반영했지만, 그는 그러한 민속적 요소를 새롭고 혁신적인 것으로 변형시켰습니다.
Firebird, Petrushka 및 The Rite of Spring은 민속 전통과 모더니스트 기술을 결합하여 친숙하면서도 전위적인 음악을 만드는 Stravinsky의 뛰어난 능력을 보여줍니다.
신고전주의 시대
신고전주의 시대는 1920년대부터 1950년대 초까지의 기간을 말하며, 이고르 스트라빈스키의 생애에서 두 번째로 중요한 시기이다.
이 기간 동안 Stravinsky는 러시아 음악의 전통에서 벗어나 Bach, Mozart 및 Haydn과 같은 이전 작곡가의 작품에서 영감을 얻어 보다 고전적인 스타일로 전환하기 시작했습니다.
이 시기는 명확성과 객관성의 원칙으로 돌아가고 고전적인 형태와 구조에 집중하는 것이 특징입니다.
스트라빈스키의 신고전주의 시대의 주요 특징 중 하나는 협주곡, 소나타, 교향곡과 같은 고전 형식을 사용했다는 점입니다.
이러한 형식은 종종 그의 작곡의 출발점이 되었지만 Stravinsky는 새롭고 혁신적인 것을 만들기 위해 이를 조작하고 파괴했습니다.
예를 들어 그의 “Symphony in C”는 클래식 교향곡의 전통적인 4악장 구조를 취하고 폴리리듬, 불규칙한 박자 및 불협화음을 통합하여 Stravinsky의 독특한 스타일을 관통합니다.
스트라빈스키의 신고전주의 시대의 또 다른 중요한 측면은 그가 보다 제한된 음악 언어를 사용했다는 것입니다.
복잡한 화음과 조밀한 질감이 특징인 초기 작품과 달리 Stravinsky는 이 기간 동안 음악을 단순화하기 시작했으며 종종 전체 작곡을 만들기 위해 음악적 아이디어를 거의 사용하지 않았습니다.
이것은 작품 전반에 걸쳐 전개되는 작은 범위의 다양한 음악적 모티프를 사용하는 그의 Dumbarton Oaks 협주곡과 같은 작품에서 분명합니다.
고전적 형식과 제한된 음악 언어를 사용하는 것 외에도 Stravinsky는 신고전주의 시대에 객관성과 분리의 원칙을 채택했습니다.
이것은 명확한 질감, 정확한 리듬 및 전통적인 역할의 악기 사용에 대한 그의 강조에 반영됩니다.
스트라빈스키는 음악이 음악적 연관성이나 감정을 가져서는 안 되며, 그 대신 고유한 특성으로 인식되어야 한다고 믿었습니다.
이러한 접근은 스트라빈스키의 목관 8중주와 같은 작품에서 들을 수 있는데, 그의 신고전주의 스타일의 맑고 깨끗한 질감과 절제된 특징이 특징이다.
직렬주의 시대
스트라빈스키 작품의 연작 작가 시기는 그의 “모더니스트” 시기라고도 알려져 있으며, 1940년대 후반부터 1971년 사망할 때까지 지속되었습니다.
이 기간 동안 스트라빈스키는 미리 결정된 일련의 음정, 리듬 또는 기타 음악적 요소를 기반으로 음악 자료를 구성하는 작곡 기법인 직렬주의를 실험함으로써 전통 음악의 경계를 계속 확장했습니다.
그러나 이때 스트라빈스키의 연재법 사용은 엄격한 기법의 규칙을 따르지 않고 오히려 그의 음악적 언어를 확장하는 도구로 사용했다는 점에서 독특하다.
스트라빈스키의 연작 시대의 특징 중 하나는 12음 기법을 그의 작품에서 다양하게 사용했다는 점이다.
“Threni” 및 “Canticum Sacrum”과 같은 여러 작품에서 Stravinsky는 “집합 완성”으로 알려진 기술을 사용하여 12개의 음표 기반을 만든 다음 이를 빌딩 블록으로 사용했습니다.
“Agon”과 같은 다른 작품에서 Stravinsky는 다른 멜로디와 조화를 이루기 위해 12음 현을 회전시키는 “회전 배열”이라는 기술을 사용했습니다.
스트라빈스키의 연속적 시대의 또 다른 특징은 복잡한 리듬과 시간적 특징을 사용했다는 점이다.
Stravinsky는 Symphony in Three Movements 및 Piano and Orchestra를 위한 악장과 같은 작품에서 비대칭 미터와 불규칙한 악센트를 실험하여 그의 음악에 긴장감과 예측 불가능성을 만들어 냈습니다.
Stravinsky는 또한 이 기간 동안 그의 작품에 재즈와 대중 음악의 요소를 도입했으며 이는 탱고와 서커스 폴카와 같은 작품에서 분명합니다.
그의 연재 사용이 항상 전통적인 것은 아니었지만 연재를 통해 그의 음악적 언어를 확장하고 복잡하고 접근하기 쉬운 작품을 만들 수 있었습니다.
위험을 무릅쓰고 음악적 관습을 깨려는 스트라빈스키의 의지는 그를 20세기 음악의 선구자로 만들었고 이후 세대의 작곡가들에게 지속적인 영향을 미쳤습니다.